对比中国画和西方油画分析他们的主要区别，中国绘画与西方绘画对比研究

摘要：中国国画、欧洲油画分别是中西方绘画艺术的典型代表。 为了更好地比较和鉴赏研究中西方绘画，必须充分考虑中国中国画、欧洲油画在各自发展过程中所受到的宗教、社会等因素的影响，以及在这种影响下各自表现出的创作特点。

关键词：中国国画欧洲油画比较欣赏

绘画作为重要的艺术门类，是全人类共同的文化交流载体和精神表达方式。 从最初的起源到今天，中西方绘画各有鲜明的艺术特征和截然不同的历史基因，中国画和欧洲油画最能集中体现中西方绘画的精髓，两者从画面、技法到内涵的文化特性都有明显的不同。 本文以中国中国画和欧洲油画为范本，从中西方宗教、历史社会、创作技法等角度对中西方绘画进行比较研究，希望能为如何欣赏中西方绘画提供参考。

一、宗教对中西方绘画艺术的影响自古以来，宗教与艺术之间就存在着相互的影响。 从最初原始人类对自然的朴素崇拜，到逐渐系统化的宗教教义，包括具体的信仰对象、完整的信仰体系、完整的传播内容等，几千年来宗教与艺术相互促进、共同发展。 宗教在广泛传播的过程中运用了包括绘画在内的多种艺术形式的表现力，旨在促进对广大信徒的教化。 宗教在借助多种艺术形式表现力的同时，也为艺术注入了持久的活力和创作灵感。

佛教、道教、中国国画

中国中国画从汉末到南北朝时期，开始受到佛教的深刻影响，特别是“禅”思想。 这一思想在佛教中占有十分重要的地位，同时也影响着国画创作者的价值观。 “禅”思想所要求的静、修、思、禅定中开悟，实现自我解脱，自古以来就是我国士人阶层的“精致文化”。 在这种文化的熏陶下，中国画在构思上逐渐融入了“禅”的境界。 文化#

如唐代名家王维，不仅有“去水穷，坐观云时”的名句，而且是佛学造诣颇深的山水画大师。 那幅画都表现了作者对“禅”思想的理解。 在王维建造的《江干雪霁图》中，远山连绵，弯曲的河水从远处缓缓流动，水面逐渐变宽。 江上小桥连接两岸，离岸边不远是背后靠着陡峭山石的几座屋宇，两人站在屋前谈话。 再眺望远山，天空中似乎有一排大雁翩翩飞起。 整个画面布局详尽，气氛深沉，王维只需用水墨和细笔勾勒，就能展现大雪纷飞时的宁静和生动。 画面虽然简单平静，但显示出广阔的视野和内心的悠闲和舒适。 修禅悟道的作者清高的状态，在画中表现为简朴入味的笔墨形象。 与王维相似的绘画风格及其表现意义深刻地影响着后世山水画的创作。

中国传统中国画题材融入佛教思想的同时，也出现了许多佛教题材的绘画。 六朝和唐代有很多画佛教题材画的大画家。 他们的作品大多留在寺观和洞穴壁画中，有些还留在地下墓葬艺术中。 生动地再现了明代画家吴彬( 《涅槃图》(《罗汉图》 )等更近年代的佛教内容。 在具体人物创作中结合佛教典籍中记载的情景，采用大量形象、表情、肢体的变化，使观察者能从画中很快分辨出每一个人物。 许多画家以佛教典故为创作题材，对佛教教义的理解各家也不尽相同，客观上丰富了佛教通俗化的表现手法。

让我们来看看道教这一起源于中国的土着宗教。 道教重天人合一，静而无为，体现了中国古人对自然天性的尊重，受此影响的绘画作品往往流露出飘逸与洒脱。

明末清初的书画宗师八大山人，曾是僧人，后来入道。 作为皇族的贵胄，他不幸破国丧家，一生坎坷。 他画的画，我不想向人炫耀，但我希望他自己寄，这也是道家思想的体现。 在其作品《烟江钓艇》中，从画面左上向右下，山峰从山顶慢慢延伸到山坡，层层重叠。 山上时而挺立着墨色的树木，时而立着一块块空白的岩石。 山势和缓，有凉亭； 山右侧河水环绕，用空白表示； 到了右上角，少量的笔划就会画出帆板舟。 帆上，几座远山静静地矗立着。 全图视野空泛，布局简洁，笔墨苍茫，在细节上很少修饰，具有明显的写意风格。 作者借助自然景色表达自己的内心世界，独立于人类的繁荣，满足于山水气质之中，宁静恬静，潇洒快活！ 画中有山，有水，有人，互相安静，恰是天人合一，道法自然最直观的表现。 八大山人是中国文人画的集中代表，他的绘画作品蕴含着深刻的哲思，也体现了中国笔墨的至上修养。

写意，最重要的是“意”，其中蕴含着与中国文化有染的精神境界。 对这样的绘画来说，实用性不再是作者追求的目标。 绘画作品脱离了现实功利的用途，完全融入作者自身的精神形象。 欣赏这样的绘画，观察者也需要了解中国思想文化的深刻内涵，以及中国古代士人的精神世界。

基督教与油画

西方油画的成熟历史，与基督教密切相关。 文艺复兴之前的漫长岁月，绘画的创作内容多为宗教人物、宗教故事。 宗教主题绘画被安排在宗教场所作为装饰，提供给信徒冥想、悔改的展望对象。 如此发展，千百年来诞生了许多佳作。

佛教、道教对中国国画的影响更多地作用于塑造画家的内心世界。 中国画的画家接受佛教、道教的信仰，进行再创造，不囿于宗教的圈子。 与此不同，基督教在西方社会拥有的政治权力和世俗势力非常大。 大多数情况下，欧洲油画家的创作过程本身就是对教皇的服从，履行着为教廷服务的责任。 意大利文艺复兴时期的三杰之一米开朗基罗的西斯廷教堂天顶画《创世纪》，是应教皇的命令以《圣经》的内容为主题进行的全景式创作。 这部宏伟的作品成就了米开朗基罗的历史地位，但他本人也在多年的工作中损害了健康。

另一方面，基督教对欧洲油画的影响也表现在绘画风格的限定上，比如我们熟悉的达芬奇名画《最后的晚餐》，在这部作品之前，出现了许多题材相同、画面结构相似的作品。 在公元6世纪左右的马赛克画中，耶稣穿着深色衣服，在屏幕的最左侧戴着头圈，其他12个门徒穿着白色衣服按顺序排在右边。 所有人都围着桌子，桌子上只有装有两条鱼的餐盘。 画中十三个人的表情非常刻板，没有明显的人物特征。 还有15世纪的木版画，虽然是同一题材，人物的位置、动作各不相同，但表情依然是树。

除了叛徒犹大，耶稣和其馀的11个门徒都头上戴着环，大家围着桌子坐下，用正面、侧面或背面示人。 两幅画都是中世纪———欧洲大陆处于基督教统治的时代。 教会当时拥有绝对权力，世俗社会必须服从。 在教堂的严酷气氛下，宗教题材绘画中的人物容貌不追求比例的和谐，脸上的表情显得清秀而无生气。 耶稣和他的门徒头上必须有光环，要强调身份的神圣和至尊的地位。

但是随着时间和技术的发展，欧洲宗教题材绘画的人物造型逐渐接近现实，特别是进入文艺复兴时期后，随着对人性的关注和倡导，人们开始意识到自己的美和伟大。 例如，在达芬奇创作的《最后的晚餐》中，有13个人物根据自己的身份和心理活动，必须表现出不同的动作和表情，非常准确地描绘了人物的特征。 人体各部位比例十分协调，立体感突出，画中人物头上也不再有体现神圣身份的光环。 与以前相同题材的作品相比，这部《最后的晚餐》生动地表现了阴谋即将发生之前的波云的奇妙气氛，而不仅仅是为了突出耶稣和他的门徒的地位之高。 另外，文艺复兴时期三杰中的另一位拉斐尔制作的《圣母像》。 画中的圣母美丽、慈爱，以宗教为题材，却描写了对人性、母爱的颂扬和赞美。

进入文艺复兴时期，艺术家们通过恢宏生动的艺术作品，将宗教题材形象还原为人的本性，体现对摆脱宗教束缚的人本主义的张扬，唤起了古希腊、古罗马对人与人体、人性的新尊重和表达。

二、社会发展对中西洋画艺术的影响每一种艺术都根植于所在的社会土壤，不同的社会发展轨迹深深地影响着中西洋画。 画家所处的政治、经济、文化、风俗等社会环境为创作提供了丰富的灵感来源，相应的作品也真实地记录了当时的社会风貌。

中国社会与中国国画

中国社会自古以来就以农桑为中心，重视农业的发展，产生了与之相适应的生活百态和记录它们的绘画作品。 例如，在宋代画家李迪创作的《风雨归牧图》中，岸边几根茂盛的柳枝摇晃得很厉害，可见当时的风很大。 附近的小水牛勇敢地向前跑着。 尾巴飘在后面。 速度很快，感受着雨珠笼罩的大风，急忙朝家赶去。 前方的大水牛奔跑着回头看着小水牛，内心的焦急和对同伴的关注跃然纸上。 大水牛上坐着一个小牧童，披着蓑衣，左手拿着木棍，右手紧紧地摁着头笠，身体前倾，向着风雨吹来的方向。 水牛也有小牧童披着蓑衣，但背对着牛头躺着。 仔细一看，这个牧童的斗笠已经被大风吹到了地上，牧童看着落下的斗笠有点不知所措。 这部作品所描绘的内容常见于江南水乡，水牛、垂柳、牧童、风雨相结合，呈现出当地人日常生产生活的基本元素和情景。 而且作品的动感非常强，细微的东西很有趣。 这是中国山水画表现的重要题材。

在中国古代民间农业生活的绘画中，以《渔樵耕读》为主题的四联图，也是一件上至高官下、下至普通百姓家中装饰常用的艺术品。 渔、樵、耕、读四要素最能体现古代农业社会主流的生产生活观念和价值追求，且这种以农耕文明为传统的社会形态也一直延续，给现代画家以启迪。 如善于画马的现代绘画大师徐悲鸿，以留下《巴人汲水图》《渔夫图》《九州无事乐耕耘》0055-79000等作品，普通大众从事农业劳动为主题，采用比较明快的色彩，赋予积极向上的精神力量

除了描写农耕生活，中国国画中也有《清明上河图》这样全景展现古城社会风貌的传世巨作。 在五米多的画卷上，宋代画家张择端描绘了沿汴河两岸的社会生活场景。 展馆、船舶码头、桥街、茶楼酒家、花草树木，一应俱全； 官家、店家、船家、僧俗人士、三教九流聚集在一起。 所有的景色和人物都刻画得细致逼真，再现了当时大宋都城开封的繁华与社会生活的许多细节，今天仿佛穿越回了千年前。

西方社会与油画

现代工商业发端以前，欧洲也以农业为社会发展基础，在社会经济、生活结构上多以庄园模式出现。 许多作品都有反映田间耕作、放牧和农民家庭日常生活的内容。 19世纪法国描写农村生活的画家让米勒的作品，是以《拾穗者》《牧羊女》《运柴者》055-79000等农民的田间工作为题材的作品。 这些作品的共同特点是主人公位于画面中间，占最大篇幅，后面的平原景色非常广阔。

画面以暖色为主，但并不是明亮，而是感觉柔软。 欣赏者能感受到画中主人公辛苦工作后的疲劳。 以知名度较高的《拾穗者》为例，附近三个女人在收割后的麦田里，已经零星散落在麦穗上，满是未收获的麦穗，三个女人穿着粗布衣服，戴着围巾，脸色黝黑，皮肤妇女们弯腰小心地拾起手，一只手握着聚集在一起的麦穗。 远处，是堆积如山的麦子，三三两两地说话的人，还有几座更远的房子。 这幅画写实色彩浓厚，从场景到人物，都体现了工人的勤劳和生活的艰辛，是对欧洲农业生产的真实记录。

除了生产场景，欧洲油画中也有描写农民家庭日常生活的作品。 例如，在荷兰著名画家梵高的绘画《吃土豆的人》中，五个家庭工作一天后，坐在桌子上吃晚饭。 食物很简单，只有土豆和一盘刚煮好的黑咖啡，餐桌上有一盏灯，足够照亮食物，农民一家穿着简陋，面容憔悴。 土豆是欧洲普通人的主食，黑暗的环境和粗劣的服饰表明，画中的主人公并不富裕，需要辛苦耕作来维持生活。 这幅画经典地再现了当时欧洲农民的日常生活。

与中国农业文明发展的轨迹不同，欧洲资本主义从文艺复兴时期开始逐渐兴起并壮大，成为社会主流力量。 随着工业文明的到来，欧洲的现代都市生活也越来越成型，成为油画家创作的新题材。 像法国印象派画家毕沙罗创作的《蒙马特大街》那样，描绘了巴黎19世纪末的街道。 蒙马特大街在巴黎北部，街道宽敞干净，街道旁边是笔直但叶子已经脱落的树木和淡淡的墙面，深色屋顶的大楼。 大街上人流和马车熙熙攘攘，但各路都很有秩序。 整个画面色彩明亮，景色由近及远。 这幅画的创作年代正值现代工业快速发展阶段，城市生活节奏逐渐加快。 现代化的建筑、商业、交通工具和通行秩序、民众的服装等都记录在屏幕上。 另外，另一位法国画家施拉创作的《大碗岛的星期天》，描绘的是城市居民外出休闲的情景，画中完全是精致的现代生活，找不到工业革命前的痕迹。

三、中西方绘画的直观区分是宗教、社会等因素的影响，中国中国画与欧洲油画呈现出相同或不同的题材特征，记录着各自历史时期的风景、人物、社会等。 此外，中西方绘画从作品本身来看也存在许多差异，其中最突出的是中国画注重以写实风格塑造作品独特的气韵，油画注重写实。

写下心情

“写意”是中国国画最常用的创作风格。 在写实的基础上吸取画家的个人灵感，重新创造客观景色、事物、人物，进而形成作品独特的“气韵”，一直是国画作者追求的至高境界。 所以，“气韵”是国画的灵魂。 谢赫提出作画的“六法”中，第一个是“气质生动”。 这是通过画面内容传达出的气势、气场、精神、意境，是作者展现自身风骨、志气、胸怀、抱负，是感动、感染、吸引欣赏者的精髓。

而要赋予作品独特的“气韵”，自然就要从写意技法上进行挖掘和创新。 以山水画为例，首先，山水画注重的是空白处。 也就是说，画面的内容并不全部用纸填满。 就像元代黄公望创作的《富春山居图》一样，整幅画中有一半是空白的，没有放置景色。 这样的布局在描绘山水风景的同时，也让参观者领略到水天辽阔、山水绵延的乐趣。 通过这样的空白，作者的思想和观众的心情融合在一起，给观众的想象提供了驰骋的巨大空间。

其次，山水画在景物层次处理中，远景通常在画面的高处，近景在低处，形成了高低的不匹配。 它并不像西方油画那样严格遵循透视比例，除了中国独特的水墨运用外，山水画还充满幻想，给人以无限的思索和品味空间。 例如，在宋代名家范宽创作的《溪山行旅图》中，低处的近景是山路，山石树木夹道而立，道路上有两个旅人赶着一列载满货物的牲口走在路上。 高处的远景是高耸的峭壁，只有山顶长着树丛，瀑布从那里飞下来。 通过在高处和低处之间用空白隔开来表现远近的水平。

这里需要强调的是，“写意”尤为重要的是“写作”，可见很多中国画家在屏幕上写名字的，不是“某某画”，而是“某某书写”。 为什么要“写”？ 要做到这一点，还要理解中国书法和绘画的密切关系。 中国艺术重视“书画同源”，这里面包含了几层含义，其中之一是中国画的表现，都可以看作是书法上的表现。 物象轮廓线不仅是书法线条，连泼墨块也是不同形态的书法线条，它们包含着运笔轻重缓急、干湿深浅等节奏的变化，这是中国画特别具备写意精神的一个基础。

最后，除了上述技巧外，山水画还保留了通常的题目。 题目可以是诗，也可以是典故，也可以是画的由来，也可以是内在的咏唱，再加上作者和欣赏者的精致印章，就成了一幅完整的作品。

最后，除了上述技巧外，山水画还保留了通常的题目。 题目可以是诗，也可以是典故，也可以是画的由来，也可以是内在的咏唱，再加上作者和欣赏者的精致印章，就成了一幅完整的作品。 写实风格、技法娴熟，加上作者自身对诗文功底和意趣的追求等因素，使一部古往今来的中国画作品，承载和表达了太多的国家情怀、对人的价值的探讨，以及精神信仰的遵循。 而这一切，都孕育了每一部作品的“气质”，带来了生动而长久的生命，受到世人的推崇。

写实的

比起中国的中国画，西方的油画更追求“写实”和“再现”。 首先，特别是从文艺复兴时期开始，在宗教改革、资本主义经济的萌芽以及自然科学的发展等多重社会环境的作用下，西方油画从题材的选择和创作特点上，更加贴近实际、接近人，强调对人性、自然的歌唱和崇拜。

其次，西方油画一般篇幅较大，既不选择空白，也不以大字为饰，色彩运用更为广泛大胆。

最后，其创作内容在相互比例、布局上更加追求符合科学透视规律，通过光影明暗等辅助手法，丰富画面层次感，最大限度地还原客观事物。 例如，文艺复兴以来，西方出现了很多百科全书式的人物，著名的达芬奇就是其中之一。 他在人体解剖方面很有造诣，对建筑和光影的研究非常深入，在绘画方面也展示了他在这方面的成果。 例如，俄罗斯19世纪画家希什金的风景画作品中，多以森林为题材，如《松树林》 《橡树林边》等，不仅客观地记录了实际看到的景色，而且用静态的画面生动地描绘了树木，传达了自然的生机。 与施金同时代的俄罗斯风景画家利维坦，在忠实地描绘自然的同时，也把自己的感情融入其中，把朴素无华的景色用悲情凝练出来，便产生了悲悯悲情。 这些大师的作品，都体现出西方绘画作为观察、研究、表现自然物象对象的共同点。

肖像画和人物题材场景画也是体现西方油画写实特征的作品类型。 肖像画总是能细致地捕捉到人物特有的表情和动作等细节来描绘，而且是人物独有的，很难再复制下去。 比如《蒙娜丽莎》永恒的神秘微笑，几百年来人们为了解开这种神秘而孜孜以求的对《教皇英诺森十世》人物的悲凉残酷的再现，教皇自己也感慨“太像了”。

在描写特定事件的场景画中，荷兰名家伦勃朗创作的《夜巡》，原本的创作目的是应阿姆斯特丹某民团的要求创作集体肖像画，但伦勃朗并没有遵循传统肖像画的创作规律，而是像集体摄影一样塑造人物夜深时，一群民兵聚集在楼门口、露真脸、露侧脸、握剑、拿枪的指挥员身穿黑色上衣和帽子，披上红丝带，站在人群中间，带领后面的民兵出发巡逻画中的所有人物都处于某种动作状态，给人一种即将出发的紧迫感。

伦勃朗在这部作品中，大胆突破静态统一的人物造型设计，将全体团员融入“巡夜”场景，“打动”了所有人，赋予了作品生动的生命。 《夜巡》在后世得到了很高的评价，但在当时引起了很多争论。 画中很多人就自己的位置是否显眼、脸部正面是否完整等问题，向作者提出了异议。 但这毫无疑问是欧洲写实主义油画发展的里程碑性作品。

不同点

中国国画和欧洲油画虽然侧重写意、写意，但并不完全拒斥。 例如工笔花鸟，也是中国国画的重要门类，如《写生珍禽图》。 另外，清代以记录王室活动为题材的宫廷绘画也以工笔、写意见长。 像清代郎世宁一样，原是传教士，后来成为皇宫御用画师，一生创作了大量表现宫廷生活的作品。 他的作品生动地表现了中西艺术的最早融合，代表了两种截然不同的绘画传统的嫁接。 此外，欧洲油画发展到19世纪，出现了以莫奈、塞尚等为代表的印象画派，但不追求真实场景的再现，而以划时代的色彩运用、点刻代替线条等技法客观地重构画的特征、选择创作材料也非常重要。 绘画工具已经融入中国画、油画的灵魂之中，无法割舍、无法改变。

四、如结语所述，欣赏中西方绘画，观众不仅要从绘画本身的题材、技法、寓意等方面加以区分和寻找共性，更要通过作品挖掘背后的文化、地域、社会、历史因素。 绘画不仅是作者思想的表达，也是一时社会风俗的浓缩，就像诗歌和戏剧一样，绘画是对时代的最好记录方式之一。 在理解和欣赏中西方绘画时，观察者需要在一定程度上了解中西方宗教、社会等各种因素，需要结合这些因素的共同点或不同点以及中西方绘画自身的特点来体验作品的价值点、辉煌。 如此日积月累，处处留心，庶几可以成为我们赏画的入门之道。 作者：许景怡胡海若

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